RENCONTRES
Interview de Heju Studio
« L'IDÉE DE TROUVER UNE FORME INTEMPORELLE NOUS A GUIDÉS TOUT AU LONG DU PROCESSUS AFIN DE CRÉER UN FIL CONDUCTEUR POUR LA COLLECTION. »
Chez Nobodinoz, chaque collaboration est une rencontre, une histoire tissée à partir d'univers complémentaires, qui associent nos savoir-faire et donnent vie à des objets uniques. Aujourd'hui, nous avons eu le plaisir d'imaginer un projet avec Heju, un studio créatif d'architecture intérieure dont le langage épuré et sensible nous a immédiatement séduits.
Fondé par Hélène Pinaud et Julien Schwartzmann, Heju Studio adopte une approche à la fois précise et délicate. Le studio réinvente notre rapport aux formes et aux textures en apportant style et poésie au quotidien de ses clients. À travers cette interview, nous avons souhaité dresser leur portrait de manière ludique, afin de mieux comprendre leur univers, leurs inspirations et la philosophie qui guide chacun de leurs projets.
Comment Heju Studio est-il né et qu'est-ce qui vous a inspirés à créer un espace où se rencontrent architecture, design et art ?
Nous sommes Hélène Pinaud et Julien Schwartzmann. Nous nous sommes rencontrés sur les bancs de l'École Nationale Supérieure d'Architecture de Strasbourg. Pour nous, il n'existe aucune distinction ni hiérarchie entre l'architecture, le design, la peinture ou la sculpture, qui sont autant de formes d'art. Nous aimons imaginer un projet global en fusionnant les inspirations et les disciplines, ce qui nous amène à dessiner du mobilier ou à choisir des œuvres d'art pour un intérieur. Cet exercice nous permet de concevoir des meubles ou des objets uniques, ou de trouver la pièce parfaite qui correspond au style et aux proportions de l'espace. Dans tous nos projets, on retrouve également des échos de l'art moderne : des lignes organiques rappelant les œuvres d'Arp, des détails sculpturaux évoquant les sculptures de Brancusi ou encore de douces associations de couleurs dans l'esprit des peintures de Morandi.
Si vous deviez choisir un objet qui raconte votre histoire, lequel serait-ce ?
Si nous devions répondre littéralement, nous dirions notre livre Poetic Minimalism, qui invite le lecteur à découvrir les coulisses d'une trentaine de nos projets, regroupés autour de six thèmes : l'espace, les matériaux, les couleurs, la menuiserie, les détails et la décoration. À travers ce livre, nous souhaitions avant tout exprimer notre vision et notre univers, non pas donner une vérité générale sur l'architecture intérieure, mais plutôt révéler nos inspirations et nos émotions. Ce livre nous permet d'explorer notre imaginaire ainsi que les éléments auxquels nous accordons une attention particulière et qui sont, à nos yeux, déterminants lorsque nous construisons un projet.
Y a-t-il eu des moments ou des rencontres clés dans votre parcours qui ont particulièrement changé ou inspiré votre approche du design ?
Nous ne pensons pas à une rencontre en particulier, mais plutôt à nos années d'expérience sur les chantiers et dans les ateliers, à échanger avec les artisans avec lesquels nous travaillons au quotidien. Toutes ces discussions nous ont permis de mieux comprendre leurs techniques et leurs contraintes. Chaque projet est une expérience d'apprentissage, et nous ne concevons plus les espaces et le mobilier de la même manière. Il est toujours important pour nous de nous rappeler que derrière de belles images se trouvent des personnes aux mains d'or et au savoir-faire incroyable.
Si vous pouviez collaborer avec une personnalité artistique ou architecturale du passé, qui choisiriez-vous ?
Sans hésiter, nous choisirions l'architecte finlandais Alvar Aalto, qui a réussi à imposer son style fonctionnaliste et moderniste aussi bien dans l'architecture que dans le design. Il est parvenu à créer un pont entre la tradition scandinave et la modernité. Toutes ses créations et son mobilier sont rythmés par des courbes asymétriques et organiques immédiatement reconnaissables. Il a été l'un des premiers à utiliser et à promouvoir le contreplaqué de bouleau, un bois que nous aimons beaucoup et que l'on retrouve également dans nos créations.
Si Heju Studio était un paysage, lequel serait-il ?
Un grand lac parsemé de nombreuses îles, aux côtes escarpées typiques des pays nordiques, entouré de forêts de conifères et de bouleaux, de buissons remplis de baies et de rochers recouverts de mousse.
Si un espace pour enfants était une émotion, laquelle serait-ce ?
Nous sommes toujours impressionnés et surpris par la spontanéité des enfants. Nous essayons également de nous laisser guider par notre intuition et de ne pas trop analyser nos projets. Nous nous laissons guider par l'espace et le mode de vie des propriétaires afin de créer un projet unique. Aucun projet ne se ressemble et chacun correspond à une idée à un moment donné.
Si la beauté dans une maison était une recette, quels en seraient les ingrédients ?
Nous essayons de trouver l'équilibre parfait entre deux éléments : la fonctionnalité et l'esthétique. Notre objectif est de créer des espaces lisibles, clairs et épurés. Pour y parvenir, les rangements fermés sont essentiels afin de ne laisser visibles que les plus belles choses. Tout est lié et tout dialogue pour créer une architecture globale. Pour illustrer cette idée, nous disons souvent que nous imaginons des œuvres d'art à la fois vivantes et fonctionnelles.
Et enfin, quelques mots sur votre collaboration avec Nobodinoz ?
L'arrivée de notre petit Léon nous a permis de nous immerger dans l'univers de l'enfance. De par notre métier, nous souhaitions créer pour lui une chambre minimaliste ponctuée de touches ludiques et joyeuses. Nous avons toujours voulu étendre notre univers architectural au design de produits pour enfants, et cette envie s'est intensifiée avec Léon. La collaboration est née d'un désir commun de créer du mobilier à la fois sensible et unique, mais aussi intemporel et durable.
Il était essentiel pour nous de ne pas dénaturer l'identité de la marque tout en la projetant dans notre propre univers. À l'image de notre travail, la collection crée un dialogue entre minimalisme et touches plus sculpturales et géométriques. Nous nous sommes inspirés des chaussures traditionnelles japonaises en bois, les geta, pour créer les pieds du buffet, que nous avons ensuite déclinés sur l'ensemble des produits. L'idée de trouver une forme intemporelle nous a guidés tout au long du processus afin de créer un fil conducteur pour la collection. Le mélange de bois clair et foncé est également caractéristique de notre travail, apportant du contraste tout en conservant une certaine sobriété. Par leur régularité graphique, les reliefs arrondis et les formes sculpturales rythment les objets. Avec leur subtile teinte beige, les fines cannelures se fondent dans le décor tout en créant des accents dynamiques et des jeux d'ombre et de lumière. Conçue comme une véritable sculpture, l'étagère est composée de montants verticaux qui dessinent de douces ondulations et lui confèrent une silhouette épurée et élancée. Le résultat est une collection minutieuse et poétique.